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June 2, 2020

Concrete Celebrates Earth Day - Paul Chadwick, Charles Vess & Moebius

I should have probably reviewed this very special one-shot in April, but I only got a chance to read it this week. Although now Earth Day is probably in everyone’s radar, I don’t think it was such a prominent date 30 years ago, which makes this comic even more meaningful. In addition to the 5 stories included in this one-shot, Paul Chadwick, the creator of Concrete, also includes tips about how to protect the environment as well as information about publications of ecologic interest.

In January, when the world was still normal and the word quarantine wasn’t part of our daily life, I went to Chicago, and after walking through Millennium Park I stopped at Graham Crackers Comics and spent an hour or two going through their back-issue bins. I found this issue and decided to buy it immediately, just the cover alone was a good reason to get it, but taking a look at the talented creators involved made it even more tempting, and it was only a dollar anyway (that’s what I love about back issue bins, they’re full of affordable surprises). 

Paul Chadwick’s beautiful cover sets the stones for these contemplative stories that deal with threats to the environment and other ecological concerns. Chadwick writes, pencils and inks “Like Disneyland Only Toxic”, while Lovern Kindzierski colors it. In this strongly political tale, Concrete is preparing to give a speech about the importance of ecology, and he goes against the mindset of the typical American who celebrates exacerbated consumerism and cares little about recycling and saving energy. There is even one particular moment in which Concrete criticizes the US intervention in different countries, and in one of the caption boxes, the narrator reminds us that despite all his good intentions, Concrete is still an American and he’s forgetting to mention other examples of US intervention abroad. This metatextual game adds complexity to an already audacious story that wasn’t designed to merely entertain but rather to foster reflection and critical thinking. 
Paul Chadwick
Based on Henry David Thoreau’s texts, “Earth Streams” is a collection of images wonderfully done by legendary artist Charles Vess. Every one of them is exquisite and gorgeous, and adds their own visual narrative to the rich texts provided by Thoreau. I’m including here the first page of the story, in which everyone can admire the beauty of nature. The second one is poetic and melancholic at the same time, Vess is such a talented artist that he needs only one page to tell a full story, and this particular page works wonderfully with or without text.

Considered by many as the indisputable genius of the comic book medium, French artist Jean Giraud, AKA Moebius, creates a set of unique and impressive pages in which movement, harmony, dynamism and emotion are present in every panel. In “The Still Planet” Moebius writes and draws a fantastic story about two friends who visit a planet that has poisoned itself and is now dead, or so it seems, thanks to their meddling, plants start growing again and an entire alien race is reborn. It’s always fascinating to see Moebius collaborating for an American publisher, as he had previously done for Marvel in Silver Surfer: Parable
Charles Vess
In Paul Chadwick’s “A Billion Conscious Acts” we get to see some of the ways in which our society has damaged the environment, but perhaps the most complex one is Chadwick’s “Stay Tuned for Pearl Harbor”, two stories that develop simultaneously, the first one is Concrete being a political activist and pointing out the multiple ways in which the US could change to prevent global warming, while the second one is one of Concrete’s colleague fantasizing with the possibility of being alive as a different species, with different senses and perceptions, which would allow for a better understanding of the effects of contamination in our world. It’s been 8 years since I reviewed Concrete: Three Uneasy Pieces and I’m glad I decided to revisit Chadwick’s greatest creation. 
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Probablemente debería haber revisado este número especial en abril, pero recién tuve la oportunidad de leerlo esta semana. Aunque ahora el Día de la Tierra probablemente esté en el radar de todos, no creo que haya sido una fecha tan destacada hace 30 años, lo que hace que este cómic sea aún más significativo. Además de las 5 historias incluidas en este one-shot, Paul Chadwick, el creador de Concrete, también incluye consejos sobre cómo proteger el medio ambiente, así como información sobre publicaciones de interés ecológico.
Charles Vess
En enero, cuando el mundo todavía era normal y la palabra cuarentena no era parte de nuestra vida diaria, fui a Chicago, y después de caminar por Millennium Park me detuve en Graham Crackers Comics y pasé una o dos horas recorriendo su la tienda. Encontré este cómic y decidí comprarlo de inmediato, solamente la portada ya era una buena razón para obtenerlo, pero al echar un vistazo a los talentosos creadores involucrados la tentación fue mayor, y de todos modos estaba a apenas un dólar (eso es lo que me encanta de las cajas con back issues, están llenas de sorpresas asequibles).

La hermosa portada de Paul Chadwick sienta las bases para estas historias contemplativas que abordan las amenazas al medio ambiente y otras preocupaciones ecológicas. Chadwick escribe, dibuja y entinta "Como Disneyland sólo tóxico", mientras que Lovern Kindzierski colorea. En esta historia fuertemente política, Concrete se está preparando para dar un discurso sobre la importancia de la ecología, y va en contra de la mentalidad del estadounidense típico que celebra el consumismo exacerbado y le importa poco el reciclaje y el ahorro de energía. Incluso hay un momento particular en el que Concrete critica la intervención de Estados Unidos en diferentes países, y en uno de los cuadros de texto, el narrador nos recuerda que a pesar de todas sus buenas intenciones, Concrete sigue siendo estadounidense y se olvida de mencionar otros ejemplos de intervención de Estados Unidos en el extranjero. Este juego metatextual agrega complejidad a una historia ya de por sí audaz que no fue diseñada simplemente para entretener sino para fomentar la reflexión y el pensamiento crítico.
Moebius
Basado en los textos de Henry David Thoreau, "Corrientes de la Tierra" es una colección de imágenes maravillosamente realizadas por el legendario artista Charles Vess. Cada una de ellas es exquisita y hermosa, y agrega su propia narrativa visual a los ricos textos proporcionados por Thoreau. Incluyo aquí la primera página de la historia, en la que todos pueden admirar la belleza de la naturaleza. La segunda es poética y melancólica al mismo tiempo, Vess es un artista tan talentoso que sólo necesita una página para contar una historia completa, y esta página en particular funciona maravillosamente con o sin texto.

Considerado por muchos como el genio indiscutible del noveno arte, el artista francés Jean Giraud, también conocido como Moebius, crea un conjunto de páginas únicas e impresionantes en las que el movimiento, la armonía, el dinamismo y la emoción están presentes en cada viñeta. En "El planeta quieto", Moebius escribe y dibuja una historia fantástica sobre dos amigos que visitan un planeta envenenado que ahora está muerto, o eso parece, gracias a su intromisión, las plantas comienzan a crecer nuevamente y renace una raza alienígena entera. Siempre es fascinante ver a Moebius colaborando para una editorial estadounidense, como lo había hecho anteriormente para Marvel en Silver Surfer: Parable.
Moebius
En "Un billón de actos de consciencia", de Paul Chadwick, vemos algunas de las formas en que nuestra sociedad ha dañado el medio ambiente, pero quizás una historia más compleja sería "Permaneced sintonizados para Pearl Harbor" de Chadwick, dos historias que se desarrollan simultáneamente, la primera es sobre Concrete, quien como activista político señala las múltiples formas en que Estados Unidos podría cambiar para evitar el calentamiento global, mientras que la segundo es sobre uno de los colegas de Concrete que fantasea con la posibilidad de vivir como una especie diferente, con diferentes sentidos y percepciones, lo que permitiría una mejor comprensión de los efectos de la contaminación en nuestro mundo. Han pasado 8 años desde que revisé Concrete: Three Uneasy Pieces y me alegro de haber decidido volver a visitar la gran creación de Chadwick.

April 13, 2013

Silver Surfer: Parable - Stan Lee & Moebius

New edition of Parable /
nueva edición de Parábola

“Faith without judgment merely degrades the spirit divine”. And truly, that applies to every religion in every era. For many, religion is the perfect excuse to sacrifice reason. Religious fanaticism has existed for centuries, and it still exists today. Those who believe that can communicate directly with a higher being, are often devoid of doubts and questions. For them, faith is always the rightful justification for all actions.

Years after the first incursion of Galactus, Norrin Radd (also known as the Silver Surfer) still roams the Earth, without goals or purposes, he lives the life of the homeless people, covered in wretched threads while being vilified and ignored by men. One day, a gigantic vessel, bigger than the world’s largest cities arrives to our world. Inside this intergalactic transport lies a figure that exudes majesty and grandeur: Galactus, the devourer of worlds.

Although in the past this cosmic entity had pledged not to destroy mankind, he has now chosen a more subtle approach. He arrives and shows a fraction of his near infinite power, and soon millions of people, in every continent and in every city start worshipping him as the one and true creator, after all, if Galactus is not god who else could even be close to such divine power? And very easily, a television evangelist convinces everyone that he is the prophet and Galactus the one and only god.
Silver Surfer undresses (his board is still wrapped up) /
Silver Surfer se desviste (su tabla todavía está envuelta)

And when Galactus speaks he says he has come to set humanity free, no longer bound to man-made laws and to fragile concepts as order. "If god is dead, then everything is per-mitted”. Is a famous phrase misattri-buted to Dosto-yevsky, and that is what Galactus wants humans to think. Soon, violence escalates, murders, plundering and destruction become the norm, “the thin veneer of civilization is stripped away, to be replaced by brutal, mindless anarchy”. Galactus plan is simple, without breaking his oath he’ll simply allow humanity to exterminate itself and then consume the planet.

But, if god is dead, is everything permitted? On the contrary, as Jacques Lacan put it, if god is dead, then nothing is permitted. The idea of celestial reward or netherworld punishment shouldn’t rule the fate of mankind. Whatever choice we make will have consequences here and now, not in the afterlife; and we must be aware of that. 

For the first time in years, the Silver Surfer once again soars the skies. But men and women don’t trust him. For them, he’s an intruder, a heretic, someone who stands in their way of eternal devotion. The Silver Surfer knows that even with his cosmic powers he is no rival for Galactus, but he still fights against him. In the end, despite the bravery and nobility of Norrin Radd, Galactus overpowers him. But throughout the battle, people have realized that this false god has no respect for the planet and no interest in preserving life. This recognition is sufficient to destroy Galactus plans. 

The end of Parable presents one of Stan Lee’s most remarkable narrative devices: when the Silver Surfer is recognized as the savior of mankind, every leader and every nation on Earth wants him to be the greatest authority of the world, to be a new god that they can worship, with a mindless devotion that reminds Norrin Radd’s of the inherent weaknesses of society: “Surely this is why they so often fall prey to tyrants and despots. Why cannot they realize that the truest faith is faith in oneself?”. In the end, Silver Surfer decides to flight into space, and there, he looks back on Earth, confident that a life of solitude is preferable than a life spent as the new leader of the human civilization.
“You struck in the name of your god, see now what such blind devotion has
wrought!” / “¡Atacasteis en el nombre de vuestro dios, contemplad
 ahora lo que semejante devoción ciega ha ocasionado!”

There are moments of such an intense emotional strength. Like the way in which the television evangelist realizes that Silver Surfer is abandoning the world. Norrin Radd could be the perfect ruler, but he doesn’t want that. He doesn’t want people to follow him blindly, he wants them to think and make decisions for them-selves. It’s hard to believe that Stan "The Man" Lee could capture the essence of some the most fascinating philosophical thoughts in only 50 pages of story. Written in 1988, this comic is by far one of the best Stan Lee stories I’ve ever read. 

Reading the prolog, I was surprised to see how excited the Father of Marvel felt when he met Moebius. He reacts like an enthusiastic fan of the French artist. The man who has created Spider-Man, the X-Men, the Fantastic Four and pretty much every major character of the Marvel Universe feels intimidated and thrilled to work with one of Europe’s most talented and important artists. 

And of course, in these pages Moebius proves why he was such an influential artist, and why he inspired not only readers but also many professional artists. He has a “superb sense of storytelling and polished, cinematic pacing”. Parable has a very distinctive European touch, but at the same time is a unique example of Moebius experimenting with the American comic book format and trying new things. In a 14-page epilogue, Moebius explains every step of his creative process. He penciled and inked Parable, but he also lettered it, something very unusual in the American comic book industry, and he also colored it. To do that, he had to adapt to the limited color palette that was available for American comics in the 80s, but maybe because of those limitations he managed to create an absolutely beautiful masterpiece.

Reading this afterword is like taking an art lesson. A master like Moebius has taught me a lot just by explaining why he took certain artistic decisions instead of others. He redid many pages of Parable because he considered them to be too detailed: “Details are dangerous, because an overabundance of details is a bad thing. It’s like filling the page just because it’s there, or feeling that because you put in a lot of details, you’re doing a wonderful job, but that’s wrong. Details must take into account the natural rhythm of the eye, like breathing. Details must follow the flow of the story, and accentuate its strong moments. Details are like background music in an orchestra”. Surely, every composer understands the need of moments of silence in a symphony, likewise, artists should also know when it’s necessary to include a vast amount of details and when to stop. Some of my favorite artists, such as Barry Windsor-Smith, Brian Bolland or John Cassaday, know how to maintain this difficult balance. Moebius, however, is such an experienced artist that he automatically knows how to keep the equilibrium: there’s detail when it’s needed, and dynamism and pure movement when it’s required. His bold designs and his extraordinary style are a joy to behold. And to top it all, Stan Lee does justice to the French artist’s work, by creating a deeply emotional and intelligent script about faith, divinity and the human condition.
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"La fe sin juicio meramente degrada el espíritu divino". Y, por cierto, eso se aplica a cada religión, en cada época. Para muchos, la religión es la excusa perfecta para sacrificar la razón. El fanatismo religioso ha existido por siglos, y hoy aún perdura. Aquellos que creen que pueden comunicarse directamente con un ser superior, a menudo prescinden de las dudas y las preguntas. Para ellos, la fe es siempre la justificación idónea para todas sus acciones.
Galactus versus Silver Surfer

Años después de la primera incursión de Galactus, Norrin Radd (también conocido como Silver Surfer) todavía deambula por la Tierra, sin metas ni propósitos, vive la vida de los mendigos, cubierto por harapos, mientras es vilipendiado e ignorado por los hombres. Un día, un gigantesco bajel, más grande que las más extensas ciudades, llega a nuestro mundo. Dentro de este transporte intergaláctico yace una figura que exuda majestad y grandiosidad: Galactus, el devorador de mundos. 

Aunque en el pasado esta entidad cósmica ha jurado no destruir a la humanidad, ahora ha optado por un enfoque más sutil. Llega y muestra una fracción de su casi infinito poder, y pronto millones de personas, en todos los continentes y en todas las ciudades, empiezan a idolatrarlo como al único y verdadero creador, después de todo, si Galactus no es dios ¿quién más podría estar cerca a semejante poder divino? Explotando la ignorancia de millones, un evangelista de la televisión convence a todos de que él es el profeta de Galactus, el dios único.

Y cuando Galactus habla, dice que ha venido para liberar a la humanidad, que ya no estará sujeta a las leyes hechas por el hombre y a los frágiles conceptos de orden. "Si dios está muerto, entonces todo está permitido". Es una famosa frase mal atribuida a Dostoyevsky, y eso es lo que Galactus quiere que piensen los humanos. Pronto, la violencia aumenta, los asesinatos, los saqueos y la destrucción se convierten en la norma, "el delgado velo de la civilización se rasga, para ser reemplazado por la anarquía más brutal e insensata". El plan de Galactus es simple, sin romper su juramento él simplemente permitirá que la humanidad se extermine a sí misma para luego consumir el planeta.

Pero, si dios ha muerto, ¿entonces está todo permitido? Por el contrario, como afirma Jacques Lacan, si dios está muerto entonces nada está permitido. La idea de una recompensa celestial o un castigo del inframundo no deberían regir el destino de la humanidad. Cualquiera que sea nuestra decisión, habrá consecuencias en el aquí y el ahora, y debemos ser concientes de esto.

Por primera vez en años, Silver Surfer surca los cielos una vez más. Pero los hombres y las mujeres desconfían de él. Para ellos, él es un intruso, un hereje, alguien que obstaculiza el camino a la devoción eterna. Silver Surfer sabe que incluso con su cósmico poder no es rival para Galactus, pero aún así pelea contra él. Al final, a pesar de la nobleza y la valentía de Norrin Radd, Galactus lo derrota. Pero en la batalla, la gente se da cuenta de que este falso dios no tiene respeto por el planeta ni interés en preservar la vida. Esto es suficiente para destruir los planes de Galactus. 

El final de Parábola presenta uno de los recursos narrativos más destacables de Stan Lee: cuando Silver Surfer es reconocido como el salvador de la humanidad, todos los líderes de todas las naciones de la Tierra quieren que él gobierne el mundo, que sea un nuevo dios al que puedan adorar, con una desquiciada devoción que hace que Norrin Radd recuerde las debilidades inherentes de la sociedad: "Seguramente es por eso que ellos, tan a menudo, caen presa de los tiranos y los déspotas. ¿Por qué no pueden darse cuenta de que la fe más verdadera es la fe en uno mismo?". Al final, Silver Surfer decide huir al espacio y, desde allí, observa la Tierra, confiado en que una vida de soledad es preferible a ser el nuevo líder de la civilización humana.

Hay momentos de una enorme fuerza emocional. Como la manera en la que el tele-evangelista se da cuenta de que Silver Surfer va a abandonar el mundo. Norrin Radd podría ser un dios idóneo, pero él no quiere eso. No quiere que la gente lo siga a ciegas, él quiere que piensen y tomen decisiones por sí mismos. Es difícil creer que Stan "The Man" Lee pudo capturar la esencia de algunos de los más fascinantes pensamientos filosóficos en tan sólo 50 páginas de historia. Escrito en 1988, este cómic es, de lejos, una de las mejores historias que he leído del Padre de Marvel.
“Consequences are for lesser beings, I am Galactus. That is sanction enough”
/ “Las consecuencias son para los seres inferiores,
yo soy Galactus. Esa es sanción suficiente”

Al leer el prólogo, me sorprendió ver lo emo-cionado que estaba Stan Lee cuando conoció a Moebius. Es un fan entusiasta del artista francés. El hombre que creó a Spider-Man, los X-Men, los Fantastic Four y básica-mente a todos los personajes impor-tantes del Universo Marvel se siente nervioso al trabajar con uno de los artistas más relevantes y talentosos de Europa.

Y por supuesto en estas páginas, Moebius demuestra por qué es un artista tan influyente, y por qué ha inspirado no sólo a los lectores sino también a muchos artistas profesionales. Él tiene un "soberbio sentido de secuencialidad, y un ritmo visual prolijo, cinemático". Parábola tiene un toque europeo muy distintivo, pero al mismo tiempo es un ejemplo único de la experimentación que hace Moebius con el formato del comic book norteamericano. En un epílogo de 14 páginas, Moebius explica cada paso de su proceso creativo. Dibujó Parábola a lápiz y luego a tinta, pero también hizo el rotulado, algo muy inusual en la industria estadounidense, y también hizo los colores. Para lograrlo, tuvo que adaptarse a la limitada paleta de colores que estaba disponible en los 80, pero quizás a causa de esas limitaciones terminó haciendo una hermosa obra maestra.

Leer este epílogo es como estar en una clase de arte. Por lo menos, siento que un maestro como Moebius me ha enseñado mucho tan sólo con explicar por qué hizo lo que hizo en Parábola, y por qué tomó ciertas decisiones artísticas en lugar de otras. Rehízo muchas de sus páginas porque las consideraba demasiado detalladas: “Los detalles son peligrosos, porque una abundancia excesiva de detalles es algo malo. Es como llenar la página sólo porque está allí, o sentir que porque pusiste un montón de detalles, estás haciendo un trabajo maravilloso, pero eso no es así. Los detalles deben tomar en cuenta el ritmo natural del ojo, es como respirar. Los detalles deben seguir el flujo de la historia, y acentuar sus momentos fuertes. Los detalles son como la música de fondo en una orquesta”. Sin duda, todos los compositores entendieron la necesidad de momentos de silencio en una sinfonía, del mismo modo, los artistas también deberían saber cuándo es necesario incluir una vasta cantidad de detalles y cuándo detenerse. Algunos de mis artistas favoritos, como Barry Windsor-Smith, Brian Bolland o John Cassaday, saben cómo mantener este difícil equilibrio. Moebius, sin embargo, es un artista tan experimentado que automáticamente sabe cómo mantener el balance: hay detalle cuando es necesario, y dinamismo y movimiento puro cuando es requerido. Contemplar sus audaces diseños y su extraordinario estilo es un placer. Y encima Stan Lee le hace justicia al trabajo del artista francés, creando un argumento profundamente emocional e inteligente sobre la fe, la divinidad y la condición humana.

March 11, 2013

L’INCAL - Jodorowsky & Moebius

Moebius

I wish I were a polyglot. I wish I could read Dostoyevsky in Russian, Goethe in German, Proust in French or Dante in Italian. But alas that is not possible. All I have is English and Spanish. That means most of the novels and comics I read are either in Spanish or in English. I don’t trust translators “traduttore, traitore” goes an old Italian saying. And that’s why if I can’t read something in its original language, then I simply avoid reading it (I make exceptions, of course, and that’s why I’ve read “Crime and Punishment” although not “À la recherché du temps perdu”). Today, however, I wish to make an exception to this unspoken rule.

“L’Incal” was originally published in French, but I tend to trust in the Spanish translation especially because Jodorowsky’s mother tongue is Spanish. But even if that wasn’t the case, there are more than enough merits in these graphic novels to talk about them.

In the early 80s, Jodorowsky created the universe of the Incal. In a series of well-connected original graphic novels, he described a mystical device that could bestow upon their users abilities and knowledge of divine nature. Everything begins with John DiFool, a mediocre detective, a drinker, a loser who has no other goals in his life but to visit an establishment of homeosluts. But one day, a dying alien gives him the Incal, a small crystal pyramid of infinite power. 
One of the most brilliant pages of 20th century comics /
una de las páginas más brillantes del cómic del siglo XX

Soon, the transformation begins. The Incal changes John, and even Deepo, his pet, an urban “concrete seagull”. And this is quite a peculiar city, indeed. It’s designed as a well, and at the very bottom there is a lake of acid. Above the city, a gigantic citadel floats. Inside its walls the clone-president reigns supreme in a paradise of hedonism and sexual depravity. 

Soon, the clone-president decides to capture John DiFool, well aware that the power of the Incal might disrupt the entire hierarchy. But at the same time, the Bergs, an alien race, are behind John. And so are the technopriests of the Church of Industrial Saints. And so is Tanatha, the leader of the Amok, a rebel group that intends to destroy the president’s floating palace and all the noble men that live there.

The Incal is a journey of pure adventure, undiluted action and strong emotions since the beginning. The second page shows us John DiFool falling into the abyss, hundreds of levels away from the acid lake. This second page is, I’d dare to say, one of the best and most influential pages of the ninth art. Artist Moebius (Jean Giraud), paints an entire world in one dramatic frame. We see the hundreds of levels that are above and below John DiFool, with a complete dominion over perspective and details, Moebius does what is impossible to accomplish for most artists: make the fantastic seem real while adding an extraordinary level of dramatic tension to the scene. 

Surely, Jodorowsky’s story would have not been the same without a master like Moebius. Considered, and justly so, like one of the best European artists, and superior to many of the most famous American pencilers, Moebius gave a much needed sense of humanity and imagination to a story that tackled religious aspects in a sci-fi scenario. 
Fantastic design by Moebius / Fantástico diseño de Moebius

The adventure never stops, and John DiFool escapes from one persecutor only to fall in the claws of another. And things get even more complicated. The Metabaron captures John DiFool, but he has lost the Incal in the hands of Animah. Due to the circumstances, Tanatha and Kill Wolfhead will be forced to work alongside John DiFool, Deepo, the Metabaron and his adopted son Soluna (the future androgynous messiah) and Animah. Together, the seven are able to reconnect the Light Incal and the Dark Incal. And once they do, everything changes. The repercussions go far beyond their world or solar system, as they learn that a cosmic menace might cause the destruction of the galaxy. 

Now, I have no intentions of retelling hundreds of pages of theological metaphors and cosmic wars. All of it takes place in six graphic novels (which you can find in many languages, so there’s no need to be a polyglot to read them): "L'Incal Noir" (1981), "L'Incal Lumière" (1982), "Ce qui est en bas" (1984), "Ce qui est en haut" (1985), "La cinquième essence - Galaxie qui Songe" (1988), "La cinquième essence - La planète Difool" (1989). After 300 pages of The Incal, I got the impression that Jodorowsky needed more room to expand upon certain plot threads and ideas. It’s curious to observe how the American industry consists in producing one six-issue arc after another, and sometimes writers don’t have any ideas at all but they still write long arcs. Those comics are often a waste of pages, an example of length devoid of any significant content. The Incal, nonetheless, it’s all about content but not length, sure it might seem that it’s a long story but it’s not enough. It barely scratches the surface of a universe that Jodorowsky has been exploiting narratively for over three decades.   

Finally, I would like to point out the visual strength of Moebius. Without the enormous talent of this French artist the Incal wouldn’t have existed. Or it would have existed in a much less impressive manner. We should be thankful for Moebius’s unparalleled imagination, his sophisticated sense of design and his unrivaled creativity. This is an artist that has inspired not only the audience but also many other artists. His influence can be found in Europe, in the United States and even in Japan. Everyone should take a look at the pages of The Incal, they are like graphic jewelry; they’re a real treasure.  
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Desearía ser un políglota. Desearía poder leer a Dostoyevsky en ruso, a Goethe en alemán, a Proust en francés o a Dante en italiano. Pero, tristemente, eso no es posible. Lo que tengo es el inglés y el español. Eso significa que la mayoría de novelas y cómics que leo están o en español o en inglés. No confío en los traductores “traduttore, traitore” afirma un viejo refrán italiano. Y es por eso que, cuando no puedo leer algo en su idioma original, simplemente evito leerlo (hago excepciones, por supuesto, y por eso leí “Crimen y castigo” pero no "En busca del tiempo perdido"). Hoy día, sin embargo, deseo hacer una excepción a esta regla tácita. 
the androgynous messiah / el mesías andrógino

“El Incal” fue originalmente publicada en francés, pero tiendo a confiar en la traducción española, especialmente porque la lengua materna de Jodorowsky es el castellano. Pero incluso si ese no fuera el caso, hay méritos más que suficientes en estas novelas gráficas para hablar sobre ellas. 

A inicios de los 80, Jodorowsky creó el universo del Incal. En una bien conectada serie de novelas gráficas, describió un artefacto místico que otorgaría a sus usuarios habilidades y conocimientos de naturaleza divina. Todo empieza con John DiFool, un detective mediocre, un borracho, un perdedor que tiene como única meta en la vida ir de juerga a los establecimientos de homeoputas. Pero un día, un alienígena moribundo le da el Incal, una pequeña pirámide de cristal de poder infinito.  

Pronto, la transformación empieza. El Incal cambia a John, e incluso a Deepo, su mascota, una urbana "gaviota de concreto". Y de hecho esta es una ciudad bastante peculiar. Está diseñada como un pozo, y en el fondo hay un lago de ácido. Sobre la ciudad, flota una gigantesca ciudadela. Dentro de sus muros, el clon-presidente reina supremo en un paraíso de hedonismo y depravación sexual.

Pronto, el clon-presidente decide capturar a John DiFool, conciente de que el poder del Incal podría destruir toda la jerarquía. Pero al mismo tiempo, los bergs, una raza alienígena, están detrás de John. Y también lo están los tecnopadres de la Iglesia de los Santos Industriales. Y también lo está Tanatha, líder del Amok, un grupo rebelde que intenta destruir el palacio flotante del presidente y a todos los nobles que residen allí.

El Incal es una travesía de pura aventura, con acción sin diluir y emociones fuertes desde el principio. La segunda página nos muestra a John DiFool cayendo al abismo, a cientos de niveles del lago de ácido. Esta segunda página es, me atrevería a decir, una de las páginas más influyentes del noveno arte. El artista Moebius (Jean Giraud), pinta un mundo entero en una sola viñeta dramática. Vemos los cientos de niveles que están encima y debajo de John DiFool, con un dominio completo de la perspectiva y los detalles, Moebius logra algo que es imposible para muchos artistas: hacer que lo fantástico parezca real mientras que añade un extraordinario nivel de tensión dramática a la escena. 

Seguramente, la historia de Jodorowsky no habría sido la misma sin un maestro como Moebius. Considerado, y justamente, como uno de los mejores artistas europeos, y superior a la mayoría de dibujantes de Estados Unidos, Moebius le entrega un sentido de humanidad e imaginación a un relato que aborda aspectos religiosos en un escenario de ciencia ficción.

La aventura nunca se detiene, y John DiFool escapa de un perseguidor sólo para caer en las garras de otro. Y las cosas se complican aun más. El Metabarón captura a John DiFool, pero él ha perdido el Incal a manos de Animah. A causa de las circunstancias, Tanatha y Cabeza de Lobo se ven obligados a trabajar junto con John DiFool, Deepo, el Metabarón y su hijo adoptivo Soluna (el futuro mesías andrógino) y Animah. Juntos, los siete logran reconectar el Incal Luz y el Incal Negro. Y cuando lo hacen, todo cambia. Las repercusiones van más allá del mundo o del sistema solar, y descubren que una amenaza cósmica podría causar la destrucción de la galaxia.
John DiFool inside the Incal / John DiFool dentro del Incal

No tengo intenciones de narrar cientos de páginas de metáforas teológicas y guerras cósmicas. Todo esto se desarrolla en seis novelas gráficas (que pueden encontrar en muchos idiomas así que no hace falta ser políglota para leerlas): "El Incal Negro" (1981), "El Incal Luz" (1982), "Lo que está abajo" (1984), "Lo que está arriba" (1985), "La Quinta Esencia I: La galaxia que sueña" (1988), "La Quinta Esencia II: Planeta DiFool" (1989). Después de 300 páginas de "El Incal" me dio la impresión que Jodorowsky necesitaba más espacio para explotar ciertas ideas e hilos argumentales. Es curioso observar cómo la pauta norteamericana consiste en producir arcos argumentales de seis números, y a veces los escritores no tienen ideas pero aún así escriben extensos arcos. Estos cómics son a menudo un desperdicio de páginas, un ejemplo de extensión desprovista de contenido significativo. "El Incal", no obstante, se centra en el contenido mas no en la extensión, sin duda, puede parecer una historia larga pero no es suficiente. Apenas raspa la superficie de un universo que Jodorowsky ha estado explotando por más de tres décadas.

Finalmente, me gustaría señalar la fuerza visual de Moebius. Sin el enorme talento de este artista francés el Incal no habría existido. O habría existido de una manera mucho menos impresionante. Deberíamos agradecer a la imaginación incomparable de Moebius, su sofisticado sentido de diseño y su creatividad única. Este es un artista que ha inspirado no sólo a su público sino también a muchos otros artistas. Su influencia puede encontrarse en Europa, en los Estados Unidos e incluso en Japón. Todos deberían darle una mirada a las páginas de "El Incal", son una joya gráfica; son un verdadero tesoro.

December 29, 2012

2012 Comic Books: Arion's Achievement Awards


I buy comics each month and every time I get my package of goodies I make a special post. This has been very helpful for me since, on a quick count, I see that in 2012 I’ve read roughly 380 comics, that’s more than one comic a day (the year only has 365 days, right?).

Sure, sometimes it’s hard to keep count of everything I’ve read, but even if I didn’t have precise numbers I would still remember exactly which titles I’ve enjoyed the most. So, without further ado, I invite you all to the first annual edition of the AAA (Arion's Achievement Awards). 

Best Writer - Garth Ennis / Allan Heinberg / Mark Millar
Best Artist - Bernie Wrightson / Sean Murphy / Attila Futaki
Best Cover Artist - Rodin Esquejo / Adam Hughes / Jim Cheung
Best Editor - Karen Berger
Best Single Issue - Avengers The Children's Crusade # 9 
Best Ongoing Series - The Boys
Best Limited Series - Avengers The Children's Crusade
Best New Series - Frankenstein Alive, Alive
Best Archival Collection / Reprint - Flex Mentallo Man of Muscle Mystery 
Best Publisher - Image 
Best Comics - Related Webpage - BleedingCool.com
Homage - Antonio Segura, Sergio Toppi, Joe Kubert and Moebius
Worst Title - Dominique Laveau Voodoo Child
Worst First Issue - Dark Horse’s Conan # 1
Most Disappointing Project - Star Trek the Next Generation / Doctor Who

Jim Cheung
The ninth art should always be a harmonic combination of narrative and art. Without a good writer, the stories we read won’t hold any special meaning in our hearts. Instead of choosing one writer I’ve decided to include three on the list: Garth Ennis for his extraordinary work in the groundbreaking series “The Boys”, Allan Heinberg for his much anticipated return to Marvel Comics and particularly his “Avengers The Children's Crusade” and Mark Millar for his continued effort in the Millarworld titles: “Kick-Ass vol. 2”, “Supercrooks”, “The Secret Service” and “Hit-Girl”.

Art is what sets the comic book medium above all others. Text is never sufficient, you need an extraordinary penciler / inker to create a good comic. Again, we have three names here: Bernie Wrightson who has done an excellent work in Frankenstein Alive, Alive, Sean Murphy for his original and delightful drawings in “Punk Rock Jesus” and Attila Futaki for his superb contributions to “Severed”.

Let’s be honest, we do judge a book by its cover. And most of the time, we buy something because we find the cover to be irresistible. I know I’ve done it. The best covers I’ve seen in 2012 have been drawn by Rodin Esquejo (“Morning Glories”, “Mind the Gap”) Adam Hughes (“Fairest”) and, of course, Jim Cheung (“Avengers The Children's Crusade”).

Most of the time we overlook the work of the editors, but they are an essential part of the creative process, this year my award goes to a woman who has been fighting against censorship for the past 30 years and has supported the most revolutionary comics for the past two decades as Vertigo’s Executive Editor: Karen Berger.

Reading almost 400 comics made me realize that it was quite difficult to decide which one was the best. So I’ve considered only those published in 2012 (that, for instance, rules out “Flex Mentallo” which is by far the best comic I’ve read this year), finally, after much consideration, the award goes to Avengers The Children's Crusade # 9.

After almost 7 years, “The Boys” came to an end this November with issue # 72. In my opinion it’s Garth Ennis magnum opus and also the best ongoing series of 2012. Now that it’s over, I’ll have a hard time finding something at least half as good… 

I’ve been buying a lot of miniseries for the past three years, and I’ve read some truly great ones (“Strange Talent of Luther Strode”, “Witch Doctor”, “Severed”, “Kick-Ass Vol. 2”, “The New Deadwardians”, “America’s Got Powers”, “League of Extraordinary Gentlemen Century”, “Punk Rock Jesus”, “Happy” and “Fashion Beast”) but the best one is “Avengers The Children's Crusade”, simply the best superhero comic book I’ve read in a long time.

This year IDW published “Frankenstein Alive, Alive”, and after seeing the outstanding illustrations of the legendary artist Bernie Wrightson I have no other choice but to place this one high above all other series. Other interesting new titles were “Punk Rock Jesus”, “Whispers”, “The Hypernaturals”, “Hit-Girl” and “Lot 13”.

Best Archival Collection / Reprint: like I said before, Flex Mentallo combined intelligently a brilliant script by Grant Morrison with beautiful art by Frank Quitely, and Vertigo’s hardcover deluxe edition does justice to such a significant miniseries.

I became a comic book collector thanks to Byrne’s Superman and for a long time I rarely strayed from the DC Universe, in 2000 I started acquiring Marvel titles, and eventually I became more of a Marvel fan. In 2006 I stopped buying DC Comics, in 2010 I severely reduced the amount of Marvel comics I was getting. If not for Image I would no longer be buying comics on a monthly basis. So yes, the best publisher of 2012 is Image.

I spend at least one hour daily reading news online, but only Rich Johnston has the necessary journalistic integrity to break the news that no other webpage would dare to… so I pick BleedingCool.com as the best source for information, and since Rich isn’t on the payroll of the big two, he will always talk about things that are uncomfortable for Marvel and DC. Good for that.
Darick Robertson

This year, comic book fans of every corner of the globe have mourned the death of authors such as Antonio Segura, Sergio Toppi, Joe Kubert and Moebius. Antonio Segura was a brilliant Spanish writer and creator of some of my favorite European comics such as Bogey, Hombre and Burton & Cyb; with a wild imagination and a unique ability to inspire and surprise the reader, Segura was truly one of the greatest storytellers of his generation. He will be missed. Toppi was an Italian artist that I’ve always admired, and I hope to review some of his work in 2014. Joe Kubert was one of the most respected artists of the American comic book industry, and also the founder of the Kubert School, when he died I read some of the testimonies of his students and they were so vivid and heartfelt that I felt like I had actually known him. Jean “Moebius” Giraud was one of the most prestigious European authors of the past three decades, his work has captivated me for years, but so far I haven’t had the opportunity to talk about it at length, hopefully that’ll be remedied in 2013.

Although I pride myself of selecting only the best of the best, sometimes a couple of stinkers go past my radar and end up in my monthly pull list. If someone asks me what is the worst comic I’ve read this year my answer would be, without a doubt, “Dominique Laveau Voodoo Child”: there is not a single redeeming aspect about this clusterfuck. A first issue should always make you interested in the next one, but in some cases, a first issue can be so bad that you immediately want to get rid of it, that’s what happened to me with Dark Horse’s Conan # 1 (Avengers 1959 also came close… talk about bad introductions). If you want to read the barbarian’s adventures stick to the Marvel comics from the 70s. I mean it. I had high expectations regarding IDW’s crossover between two of my favorite sci-fi franchises, but “Star Trek: The Next Generation / Doctor Who” was simply disappointing (curiously, the same happened in 2011 with their Star Trek / Legion of Super-Heroes). There have been other really bad projects from other publishers (I’m looking at you DC) but since I haven’t read them I won’t include them in this list.

And that is all for the year. Now, pray tell us good and honorable reader, what comics have thou particularly enjoyed this year? Which artists have caught thy attention?  What book has let you down? Do you agree with me or would you qualify my ramblings as folly?

I bid thee farewell and long live the ninth art!
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Compro cómics todos los meses y cada vez que recibo nuevos ejemplares me encargo de compartir la noticia con ustedes. Esto ha sido bastante útil porque, a ojo de buen cubero, compruebo que en el 2012 he leído aproximadamente 380 cómics, o sea más de uno al día (el año sólo tiene 365 días, ¿no es así?)

Desde luego, a veces es difícil llevar la cuenta, pero incluso aunque no tuviera cifras precisas de todos modos recordaría qué títulos son los que más he disfrutado. Así que, sin más preámbulos, los invito a todos a la primera edición anual de los premios AAA (Arion's Achievement Awards). 

Mejor escritor - Garth Ennis / Allan Heinberg / Mark Millar
Mejor artista - Bernie Wrightson / Sean Murphy / Attila Futaki
Mejor portadista - Rodin Esquejo / Adam Hughes / Jim Cheung
Mejor editor - Karen Berger
Mejor número único - Avengers The Children's Crusade # 9 
Mejor serie mensual - The Boys
Mejor serie limitada - Avengers The Children's Crusade
Mejor nueva serie - Frankenstein Alive, Alive
Mejor obra coleccionada / reimpresión - Flex Mentallo Man of Muscle Mystery 
Mejor Editorial - Image 
Mejor página web sobre cómics - BleedingCool.com
Homenaje - Antonio Segura, Sergio Toppi, Joe Kubert y Moebius
Peor título - Dominique Laveau Voodoo Child
Peor primer número - Dark Horse’s Conan # 1
Proyecto más decepcionante - Star Trek the Next Generation / Doctor Who
Frank Quitely

El noveno arte debería ser siempre una combinación armónica de narrativa y arte. Sin un buen escritor, las historias que leemos no tendrán mayor significado para nosotros. En vez de elegir a un escritor he decidido incluir tres en la lista: Garth Ennis por su extraordinario trabajo en la innovadora serie “The Boys”, Allan Heinberg por su tan anticipado regreso a Marvel Comics y particularmente su “Avengers The Children's Crusade” y Mark Millar por sus continuos esfuerzos en los títulos de Millarworld: “Kick-Ass vol. 2”, “Supercrooks”, “The Secret Service” y “Hit-Girl”.

El arte es lo que eleva al cómic por encima de otros medios. El texto nunca es suficiente, hace falta un extraordinario artista para crear un buen cómic. De nuevo, tenemos tres nombres aquí: Bernie Wrightson por haber hecho una excelente obra en Frankenstein Alive, Alive, Sean Murphy por sus originales y deliciosos dibujos en “Punk Rock Jesus” y Attila Futaki por sus soberbias contribuciones a “Severed”. 

Seamos honestos, juzgamos un libro por su carátula. Y la mayoría de las veces, compramos algo porque la portada es irresistible. Lo digo por experiencia. Las mejores portadas que he visto en el 2012 han sido dibujadas por Rodin Esquejo (“Morning Glories”, “Mind the Gap”) Adam Hughes (“Fairest”) y, por supuesto, Jim Cheung ("Avengers The Children's Crusade").

La mayoría de las veces no prestamos atención a la labor de los editores, pero ellos son parte esencial del proceso creativo, el galardón va para una mujer que ha estado luchando en contra de la censura durante 30 años y que ha apoyado los cómics más revolucionarios de las últimas dos décadas como la editora ejecutiva de Vertigo: Karen Berger.

Después de leer casi 400 cómics me he dado cuenta que es bastante difícil decidir cuál fue el mejor. Así que sólo he considerado aquellos publicados en el 2012 (así, por ejemplo, queda eliminado “Flex Mentallo” que es de lejos lo mejor que he leído en el año), finalmente, después de mucha consideración, el premio va para Avengers The Children's Crusade # 9.
Rodin Esquejo

Tras casi 7 años, “The Boys” concluyó este noviembre con el # 72. En mi opinión, este es el magnum opus Garth Ennis  y también la mejor serie mensual del 2012. Ahora que ha terminado, será difícil encontrar algo al menos la mitad de bueno...

He estado comprando un montón de miniseries en los últimos tres años, y he leído algunas grandiosas (“Strange Talent of Luther Strode”, “Witch Doctor”, “Severed”, “Kick-Ass Vol. 2”, “The New Deadwardians”, “America’s Got Powers”, “League of Extraordinary Gentlemen Century”, “Punk Rock Jesus”, “Happy” y “Fashion Beast”) pero la mejor es “Avengers The Children's Crusade”, simplemente el mejor cómic de súper-héroes que he leído en mucho tiempo.

Este año IDW publicó “Frankenstein Alive, Alive”, y luego de ver las geniales ilustraciones del legendario artista Bernie Wrightson no tengo otra opción que colocarlo muy por encima de otros títulos. Otras nuevas colecciones que despertaron mi interés fueron “Punk Rock Jesus”, “Whispers”, “The Hypernaturals”, “Hit-Girl” y “Lot 13”.

Mejor obra coleccionada / reimpresión: como dije antes, Flex Mentallo combina con inteligencia un brillante guión de Grant Morrison con el hermoso arte de Frank Quitely, y la edición de lujo de Vertigo le hace justicia a esta importante miniserie.

Me convertí en coleccionista de cómics gracias al Superman de Byrne y durante años rara vez me alejaba del Universo DC, en el 2000 empecé a adquirir títulos de Marvel, y al final me pasé a las filas marvelianas. En el 2006 dejé de comprar cómics de DC, en el 2010 taché bastantes cómics Marvel de mi lista de compras. Si no fuera por Image, ya no compraría cómics todos los meses. Por eso, la mejor editorial del 2012 es Image.

Gasto al menos una hora diaria leyendo noticias en línea, pero sólo Rich Johnston tiene la integridad periodística necesaria para sacar las noticias que ninguna otra página se atrevería... así que elijo a BleedingCool.com como la mejor fuente de información, y como Rich no está en la nómina de Marvel y DC siempre dirá la dolorosa verdad aunque incomode a estas dos grandes editoriales. Bien por ello. 

Este año, a lo largo del mundo, muchos lamentaron la muerte de autores como Antonio Segura, Sergio Toppi, Joe Kubert y Moebius. Antonio Segura era un escritor español brillante; creador de algunos de mis cómics europeos favoritos como “Bogey”, “Hombre” and “Burton & Cyb”; con una imaginación salvaje y una habilidad única para inspirar y sorprender al lector, Segura era realmetne uno de los grandes narradores de su generación. Lo recordaremos siempre. Toppi fue un artista italiano al que siempre he admirado, y espero reseñar alguno de sus trabajos en el 2014. Joe Kubert fue uno de los artistas más respetados de la industria norteamericana, y también el fundador de la Escuela Kubert, cuando murió leí algunos de los testimonios de sus estudiantes y eran tan vívidos y emotivos que sentí como si lo hubiese conocido. Jean “Moebius” Giraud fue uno de los autores europeos más prestigiosos de las últimas tres décadas, su trabajo me ha cautivado por años, pero hasta ahora no he tenido oportunidad de comentarlo como es debido, espero que esto sea remediado en el 2013.
my drawing / mi dibujo

Aunque me enorgullezco de seleccionar sólo lo mejor de lo mejor, a veces un par de productos defectuosos terminan colándose y aparecen en mis manos. Si alguien me pregunta cuál es el peor cómic que he leído en estos 12 meses mi respuesta sería, sin duda, “Dominique Laveau Voodoo Child”: no hay un sólo atributo que salve a esta gran cagada. Un primer número siempre debería generar interés en el siguiente, pero en algunos casos, un primer número puede ser tan malo que quieres botarlo a la basura, eso es lo que me pasó con el Conan # 1 de Dark Horse ("Avengers 1959" también fue malísimo). Si quieren leer las aventuras del bárbaro quédense con los cómics Marvel de los 70. Lo digo en serio. Tenía muchas expectativas cuando supe que IDW presentaría dos de mis franquicias preferidas de ciencia ficción, pero "Star Trek: The Next Generation / Doctor Who" fue bien decepcionante (es curioso, pero lo mismo pasó en el 2011 con su "Star Trek / Legion of Super-Heroes"). Ha habido otros proyectos realmente malos de otras editoriales (DC entre ellas) pero como no los he leído no los incluiré en esta lista. 

Y eso es todo por este año. Ahora, decidme buenos y honrosos lectores, ¿qué cómics habéis disfrutado particularmente este año? ¿Qué artistas han capturado vuestra atención? ¿Que os ha decepcionado? ¿Estáis de acuerdo conmigo o consideráis mis diatribas como sandeces?

¡Os digo adiós y larga vida al noveno arte!